10 Fragen an den philippinischen Fotografen James Lontoc | ISSUE #287

In Interviews mit Persönlichkeiten, die fotografische Ausdrucksformen aus einer unverwechselbaren Perspektive erkunden, beleuchten wir die Ursprünge ihres kreativen Schaffens, ihre Haltung und ihren Arbeitsprozess – und vermitteln Fotograf:innen und Fotomedien weltweit neue Inspiration.

James Lontoc ist Fotograf und Autor und lebt in Metro Manila auf den Philippinen. Er entwickelt seine Fotografien unmittelbar aus dem gelebten Alltag. In seinem Langzeitprojekt „Sack Tap“ setzt er sich mit seiner eigenen Männlichkeit, familiären Prägungen und jenen Wertvorstellungen auseinander, die er im Laufe seines Erwachsenwerdens immer wieder hinterfragt hat.
Derzeit arbeitet er an der Auswahl und Sequenzierung von „Sack Tap“ für eine Buchpublikation. Zugleich engagiert er sich als Mitbegründer des Flint Photo Collective in der philippinischen Fotoszene.

In diesen zehn Fragen sprechen wir über seinen Ansatz, das Leben wie in einem Tagebuch festzuhalten, seine Offenheit gegenüber dem Scheitern und seinen Anspruch, Geschichten aufrichtig zu erzählen.

Wenn ich weniger darüber nachdenke, weshalb ich mit dem Fotografieren begonnen habe, sondern vielmehr darüber, woraus ich meine Fotografien schöpfe, dann ist es wohl einfach das „Leben“. Ich fotografiere so, wie andere Tagebuch schreiben.

Manchmal entwickelt sich daraus ein Langzeitprojekt wie „Sack Tap“, das sich mit Männlichkeit befasst. Meistens ist es jedoch gar nicht so tiefgründig. Die Fotografie ist für mich eine Möglichkeit, das Leben zu erfahren und meine Aufmerksamkeit auf das zu richten, was geschieht.

Derzeit sichte ich Fotografien aus mehreren Jahren und frage mich, was sie erzählen, wenn sie zusammenkommen. Dabei arbeite ich an der Auswahl und Sequenzierung für eine Buchpublikation von „Sack Tap“. Gleichzeitig fotografiere ich weiterhin Porträts ohne einen bestimmten Zweck – einfach während ich Zeit mit Menschen verbringe, die ich mag.

„Sack Tap“ ist eine Arbeit über mein eigenes Dasein als Mann. Was gehört zu einer männlich geprägten Sichtweise? Was wird weitergegeben, und was wird neu hinterfragt? Mich interessiert weniger, Antworten zu präsentieren, als vielmehr Fragen aufzuwerfen.

Außerhalb dieses Projekts befasse ich mich mit dem Leben selbst: mit Druck, Schmerz, Freude, Liebe und dem, was wir erben. Es geht darum, zu welchem Menschen man sich entwickelt – geprägt von dem Umfeld, in dem man aufgewachsen ist, sei es im Widerstand gegen dessen Einfluss oder unter seiner Wirkung.

Ich fotografiere nicht mit der Absicht, von Anfang an ein Thema zu veranschaulichen. Während ich kontinuierlich festhalte, was vor mir liegt, zeichnen sich nach und nach Muster ab: Dinge, zu denen ich immer wieder zurückkehre, die ich unweigerlich fotografieren muss, und Fragen über meine Familie und meine eigene Männlichkeit, die mich fortwährend beschäftigen.

Sowohl der Zufall als auch das Unbehagen finden Eingang in meine Arbeit. Als ich 2023 beim Angkor Photo Workshop an „Sack Tap“ arbeitete, forderte mich mein Mentor Antoine D'Agata auf, Dinge aufzulisten, die ich für typisch „macho“ hielt – etwa Gewichtheben, Kampfsport oder das Ansprechen von Frauen. Dann sollte ich jedes einzelne davon tatsächlich ausprobieren und prüfen, ob es sich wirklich so verhielt. Diese Erfahrung drängte mich auf eine Weise aus meiner Komfortzone, die ich allein niemals hätte planen können.

Ansonsten folgt meine Arbeit einem grundlegenden Rhythmus: fotografieren, archivieren, die Aufnahmen im Kontext erneut betrachten, auswählen und sequenzieren und schließlich veröffentlichen. Am stärksten wirkt die Intuition jedoch beim erneuten Sichten der Fotografien.
Manche Aufnahme ruht monatelang, bevor ich verstehe, weshalb ich sie gemacht habe. Vielleicht sind es Mentor:innen, fremde Menschen oder schlicht die Zeit selbst, die ihr den zuvor fehlenden Kontext verleihen.

Manchmal gibt es eine Idee, die ich hinterfragen oder weiterverfolgen möchte. Ein anderes Mal treibt mich schlicht die tägliche Gewohnheit an, zu fotografieren und präsent zu sein. Und oft besteht das, was ich brauche, nicht im Produzieren, sondern im Ausruhen. Ich verstehe es als ein erneutes Auffüllen, bevor ich wieder etwas nach außen geben kann.

Kreatives Schaffen verläuft in Wellen, und ich habe aufgehört, mich gegen die stillen Phasen abseits der Produktion zu wehren. Früher hatte ich ein schlechtes Gewissen, wenn ich nicht fotografierte. Heute verstehe ich, dass Erholung nichts vom Prozess Getrenntes, sondern Teil desselben Prozesses ist.

Was mich antreibt, ist kein unablässig brennendes Feuer, sondern eher ein Atemrhythmus: einatmen, ausatmen, wieder einatmen und ausatmen. Ich vertraue darauf, dass die nächste schöpferische Phase kommt, sobald die Voraussetzungen dafür gegeben sind.

Ehrlich gesagt habe ich keine einzelne Lieblingsaufnahme. Ich habe diese Fotografie nicht ausgewählt, weil sie meine beste ist, sondern weil sie eine „beschädigte Fotografie“ ist.

Es handelt sich um das erste Bild auf dem Film. Die Belichtung war meiner Einschätzung nach korrekt, doch ich war unsicher, ob der Film ordnungsgemäß transportiert wurde. Deshalb öffnete ich zur Kontrolle die Rückwand, wodurch Licht einfiel.
Außerdem ließ sich die Blende des Objektivs an diesem Tag nur noch auf einer einzigen Stufe verwenden. Diese Fotografie entstand also durch einen beinahe zufälligen technischen Fehler, der wiederum das Ergebnis meines Versuchs war, einen anderen technischen Fehler zu verhindern.

Trotzdem erzählt diese Aufnahme eine vollständige Geschichte. Ich glaube, darin spiegelt sich auch meine tatsächliche Arbeitsweise. Man kann nicht immer selbst bestimmen, was die Fotografie einem gibt – das gilt auch für die Technik. Manchmal wird gerade eine misslungene Aufnahme zur ehrlichsten Fotografie.

Ich vertrete keine besonders dezidierte Meinung zur Fotografie im Zeitalter der KI. Schließlich erschien mir die Fotografie innerhalb der Künste schon immer ein wenig wie das „mittlere Kind“. Entscheidend ist für mich, wie man sie einsetzt. Fotografie ist eine Möglichkeit, das Leben zu erfahren, im Moment präsent zu sein und ihn festzuhalten – und später zu einer Erinnerung zurückzukehren.

Je leistungsfähiger und alltäglicher generative KI wird, desto weniger verliert diese Funktion an Bedeutung – im Gegenteil, sie wird für mich umso lebendiger. Wenn eine Maschine beinahe alles als überzeugendes Bild erzeugen kann, erhalten Fotografien, die mit tatsächlich von mir gelebten Momenten verbunden sind, eine andere Bedeutung. Sie lassen sich schwerer vortäuschen.

Diese Frage ist für mich wichtig, weil die philippinische Fotoszene fragmentiert ist. Es gibt unterschiedliche Lager und Gruppen und, offen gesagt, nicht wenige Auseinandersetzungen und Konflikte zwischen Egos.
Gerade deshalb erscheint mir die Arbeit von Fotomoto besonders bedeutsam: Die Initiative bringt unterschiedliche Gemeinschaften an einem Ort zusammen und rückt Fotograf:innen außerhalb von Metro Manila ins Blickfeld. Sie wirkt damit der Tendenz zur Bildung abgeschotteter Zirkel entgegen.

Dasselbe Potenzial sehe ich in basisnahen Gruppen wie Raw and Untitled sowie in Flint. Einer der Gründe für die Gründung von Flint war der Wunsch, einen Raum zu schaffen, in dem wir weder mit anderen Akteur:innen des Feldes konkurrieren noch ihnen den Zugang verwehren müssen.

Es gibt unzählige herausragende Kunstschaffende, die mich inspirieren, und viele von ihnen lassen sich mit einer kurzen Suche auf Instagram entdecken. Wenn ich mich auf das nahe gelegene Südostasien beschränke, denke ich zuerst an Natthaya Thaidecha und Daniel Huete aus Bangkok. Ich kehre immer wieder zu den Arbeiten zurück, die sie gemeinsam und jeweils für sich schaffen.

Außerdem sind da Duy Dao aus Ho-Chi-Minh-Stadt und Sean Lee aus Singapur, der beim Angkor Photo Workshop einer meiner Mentor:innen war. Wenn ich den Radius etwas erweitere, kommen Arhant Shrestha aus Kathmandu sowie 214 und Ziyi Le aus China hinzu.

Was mich an ihnen fasziniert, ist kein gemeinsamer Stil. Vielmehr schöpfen sie alle aus ihren persönlichen Erfahrungen und aus dem, was ihrem jeweiligen Ort eigen ist. Solche Fotografien möchte ich auch künftig sehen.

Geschichten zu erzählen. Ob in einem fotografischen Langzeitprojekt, einer kurzen Arbeit, einem Text oder einem Film – das ist für mich die Konstante.

Das Medium verändert sich je nachdem, was eine Geschichte verlangt, doch der zugrunde liegende Impuls bleibt derselbe. Meine Loyalität gilt weniger der Fotografie als Form an sich als vielmehr dem Versuch, etwas – und jemanden – tief genug zu verstehen, um davon aufrichtig erzählen zu können. Ganz gleich, welches Werkzeug ich dafür verwende: Diese Fähigkeit möchte ich kontinuierlich weiterentwickeln.

Kreatives Schaffen muss nicht immer tiefgründig sein. Manchmal kann es hingegen eine so große Bedeutung besitzen, dass man selbst deren Tiefe und Tragweite kaum zu erfassen vermag. Beides ist wahr und kann sogar innerhalb derselben Woche nebeneinander bestehen.

Entscheidend ist, in beiden Phasen weiterzuarbeiten, sich weiterzuentwickeln und sich selbst treu zu bleiben. Man muss nicht auf eine tiefgründige Phase warten, um die Berechtigung des eigenen Schaffens zu beweisen.
Und ebenso wenig muss man in einer unbeschwerten Phase verunsichert sein.